Los dibujos podemos dividirlos en dos grandes grupos: aquellos que nos dan una visión más o menos total de la escena y los que diseñan alguno o algunos de los personajes que forman el grupo acompañante de la Reina en sus últimos momentos. Siempre jugó con los diez personajes de la obra definitiva, pero fue modificando la posición de los mismos y su tamaño, que pasaron de ocupar la totalidad del lienzo a situarse en la distancia donde hoy los admiramos.

Rosales se compenetró totalmente con el tema y lo va a plasmar con la veracidad y sencillez de un testigo que quiere dar fe de uno de los momentos cumbres de la historia de España.

Los documentos manuscritos nos dan una idea de que se documentó exhaustivamente sobre el hecho que pensaba narrar pictóricamente, tanto sobre la fisonomía de los personajes como de los detalles del mobiliario y vestimenta. Si es cierto que los personajes retratados, algunos de ellos, no estuvieron en el acto de testar la reina, Rosales quiso trascender el dato histórico para darnos una visión intra-histórica de ese momento, haciendo presentes al Rey Católico, a doña Juana y al cardenal Cisneros, que aún no era cardenal, y que ciertamente no asistieron al evento, pero que todos ellos tendrían un papel señero en la historia posterior de España.

La pintura habla por sí sola. Obra madura, pensada, personajes y cosas todas están en su sitio: las figuras, la luz, el color. Color sobrio y empastado de pincelada amplia y suelta que modela la forma a distancia. Admirable contraste entre el rojo de la vestimenta del rey con la dalmática verde y oro del joven en primer plano y de nuevo el contraste de los tonos neutros de los demás personajes, que a su vez contrastan todos con el blanco sobre blanco que circunda la figura de la reina. Blancos comparables a los de Zurbarán. Los personajes, colocados con cierta simetría, en la línea del más puro clasicismo, hacen que el cuadro nos produzca una imagen de serena grandeza. Composición estática, velazqueña, cuyo centro es la reina y que se articula en tres planos paralelos: las figuras del primer término, la reina acostada en el lecho con dosel, que remata el escudo de sus reinos, y los personajes tras aquél, marqueses de Moya, en la penumbra. Los decorados de los muros en rombos como el sebka del arte árabe, empleado en las construcciones mudéjares del tiempo. Un pequeño oratorio a la izquierda, del que pende un Cristo, con una lamparilla y un libro, son los únicos accesorios. Los planos se acentúan, dándoles profundidad, el enlosado del suelo y las líneas y dibujos de la alfombra. Al fondo y junto a los marqueses se adivina un reloj que marca los últimos instantes de la vida de Isabel de Castilla. En esta composición, todo está armonizado con una sorprendente intuición de las proporciones. Todo es ritmo en las aparentes actitudes estáticas que obedecen a la expresión meditativa de cada personaje y al carácter de cada uno. Rostros que reflejan sus sentimientos interiores ante las palabras de la reina, en las que iba desgranando pausadamente el futuro de la nación. Armonía y sobriedad que requiere el momento del Testamento de la más grande reina de España, de cuya iluminada y bella figura parten todos los valores cromáticos de la composición.

Hay aire, luz, mucha verdad que nos introduce en esta gran creación melancólica, dulce y reposada. El dolor no expresado inunda la escena.

Con este cuadro obtuvo Rosales la Primera Medalla de la Exposición Nacional de 1864 y volvió a ser premiado con la misma distinción en la Universal de París en 1867. La crítica se dividió a favor y en contra; en ella se mezclaron tanto razones estéticas como políticas y personales. Todos, sin embargo, reconocieron la valentía del estilo y la admirable ejecución. Desde que Pi y Margall afirmara que: "el autor del Testamento ha llegado a recordar a Veláquez" hasta el día de hoy, se han multiplicado los estudios admirativos de este gran lienzo "que, sin duda, fue un manifiesto político en el que se exalta la figura de la reina y su política" (Xavier de Salas).